Para un ingeniero agrónomo de formación y de profesión como yo resulta gracioso toparse con un sello llamado Engineer Records. Radicada en el Reino Unido, esta discográfica se especializa en Hardcore, punk y emo, aunque la amable gente de Aloud Music nos ha hecho llegar un paquete con algunas de sus últimas referencias que poco tienen que ver con los estilos musicales mencionados.

Así, en primer lugar, Countrysides es un EP compartido entre Jonah Matranga y Mikee J Reds, nombres propios tras los que se escudan dos cantautores que se defienden a pelo con sus voces y sus guitarras acústicas. La cara firmada por el señor Matranga apenas ofrece nada especial, pues las dos canciones incluidas (“Sweet Life” y “Secret World”) suenan insulsas y muy similares. La aportación de Mikee es más destacable. La parte vocal se nota más trabajada (gracias a los coros) y, de hecho, ambos temas encajarían perfectamente en los moldes del punk rock melódico simplemente añadiendo guitarras eléctricas y una batería. Empieza a subir el nivel del asunto…

Lo de Nathaniel Sutton ya son palabras mayores. Seguimos con el rollo cantautor pero esta vez con un tono melancólico y épico que pone los pelos de punta. A la voz desnuda del canadiense le acompaña la guitarra acústica y, de vez en cuando, una eléctrica y una batería; en unas canciones determinadas también suenan arreglos de cuerda, de piano e incluso electrónicos que enriquecen el conjunto de este disco homónimo. Temazos como “City of dreams”, “Zombies are everywhere” y “Like a bullet” (cuyo estribillo se incrusta en el cerebro) sobresalen dentro de un álbum muy inspirado. Además, por si sirve de referencia, mi mujer dice que la música de Nathaniel Sutton le relaja.

Por último (por ahora), la música de Kyoto Drive es la que más encajaría con las referencias dadas en el primer párrafo de este artículo. En efecto, estos jóvenes británicos podrían postularse como la gran esperanza blanca del emo y en los dos temas que se escuchan en este EP de presentación (“So much alive” y “Chapters”) apuntan buenas maneras. Mucha melodía vocal e instrumentación algo más contundente de lo que yo pensaba, puesto que mi mujer me acaba de decir en este caso que baje el volumen del reproductor. Sin duda, una banda a seguir y que esperamos que tenga cierta continuidad.

En definitiva, tres referencias de calidad, que me han sorprendido gratamente por su contenido y que me han provocado la curiosidad por seguir la evolución de este sello de tan curioso nombre: Engineer Records.

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A los dos maromos que aparecen en la foto deberíais de conocerlos. Son Edu y Juan, los dos componentes de Muy Fellini, de quien ya publicamos una entrevista hace casi dos años. Están por aquí otra vez porque acaban de publicar “La ciudad de las palmeras”, su segundo disco, y tienen nuevas fechas para presentarlo: el sábado 21 de enero en Madrid @ La boca del lobo (+ The Jet Set Chefs), el viernes 3 de febrero en Castellón @ La consulta del doctor, el sábado 4 de febrero en Barcelona @ Heliogabal (+ Morlans + Dj.Göo!!) y el viernes 30 de marzo en Palencia @ The lemon society. ¡Nos vemos en el Helio!

Hola Edu. En primer lugar, cuéntanos a grandes rasgos qué ha pasado en la vida de Muy Fellini desde la última vez que hablamos hace casi dos años…

Creo que muchas cosas Jordi. Muchos conciertos sobre todo, fueron 60 en la gira del primer disco, paralelamente fuimos componiendo el disco de ‘La ciudad de las palmeras’, que es el que nos ocupa y entre tanto, también esperar respuestas de diferentes propuestas que habíamos recibido de sellos y demás, pero por fin, el disco pudo salir, los conciertos por suerte no nos han faltado y estamos con muchos objetivos a corto plazo ahora, espero poderte contar muchas cosas en la siguiente entrevista.

Hace poco que publicasteis “La ciudad de las palmeras”, vuestro segundo disco. ¿Me podrías comentar cuáles son las principales diferencias entre ambos respecto a la composición, el sonido y el resultado final?

Creo que si hay que hablar de una diferencia clara, es la madurez de los temas, del sonido o del grupo como tal. Cuando grabamos el primer disco no llevábamos ni 3 meses como banda y habíamos montado el repertorio en 5 o 6 ensayos, por lo que de algo así no podía salir algo muy trabajado ni premeditado, pero tuvo su encanto y ese disco hizo su función, que era la de presentar ese nuevo grupo que se había formado, y para lo que fue, creo que no pudimos quedar más contentos. En ‘La ciudad de las palmeras’ el chip es otro, canciones más trabajadas, con un grupo que si algo había hecho era tocar en directo, y eso es lo que nos ha hecho curtirnos como proyecto, el tocar y tocar, que hace que veas cómo tienen que sonar los temas, a veces grabas un disco y suena muy bien, pero si no tocas en directo, luego no sabes llevar los temas a ese terreno, creo que no es nuestro caso. Aparte, lo grabamos más tranquilamente, en más días y como todo, se va aprendiendo a hacer las cosas mejor. Así que hemos quedado muy orgullosos de este disco.

¿Es el título un homenaje a Elche, ciudad cuyo palmeral está declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco? ¿O tal vez soñabais con un destino más lejano y caribeño?

No va por ninguna ciudad en concreto, lo cogimos porque una canción del disco lleva ese título también y nos sonaba bien. La canción está basada en un relato del hermano de Juan y nos gustó como título, intentando ir a juego con la portada, un lugar misterioso, exótico y por descubrir.

Quizá las canciones que más me gustan de vuestro nuevo trabajo sean “México”, “Transformación” y “Conversaciones”. Curiosamente las tres van seguidas y se escuchan al medio del CD. ¿Tengo un problema de concentración/distribución o está hecho adrede?

Son 3 canciones bastante diferentes entre sí. No está hecho adrede en absoluto, supongo que es casualidad. Una de mis preferidas es ‘Un momento tierno’ y es la última, otra de mis preferidas es ‘Camino hacia el suicidio’ y es la primera, no sé, el orden está hecho de esa manera a conciencia, pero no pretendemos poner todas las que más nos gustan juntas…

¿Cómo le vendisteis la moto al sello GOR para que os editaran el nuevo CD? ¿Y a Clifford Records para que hiciera lo propio con el vinilo?

Como te he comentado antes, durante la gira del primer disco hubo interés por varios sellos y fue entonces cuando empezamos a pensar en grabar un nuevo disco que reflejara lo que estábamos haciendo en ese momento. Hablamos con muchos sellos y entre ellos, Clifford y Gor nos dijeron que les interesaba, y estábamos conformes con el trabajo de cada uno, lo que podía aportar al grupo y demás, así que lo hicimos con ellos.

¿Qué tal va la grabación del videoclip del tema “El verano”? ¿Puedes adelantar algo en primicia?

El videoclip lo grabamos el pasado 18 de diciembre entre nieves y un frío polar. Fruto de eso salimos todo el video destemplados, helados, con los pies mojados y echando de menos esas noches de verano, barbacoas, amigos, un poco de vino, conversaciones largas, etc… muy pronto lo podréis ver. Desde aquí un abrazo a Román, Ismael, Fernando e Iñaki por todo su trabajo.

Hablando de videoclips, en el que grabasteis para la canción “La decepción”, de vuestro primer álbum, aparece ya una ciudad con palmeras. ¿Era un presagio de lo que vendría después? ¿Dónde lo grabasteis exactamente?

Ese video se rodó en Castellón, aprovechando que íbamos a tocar allí y lo hizo Adam Brenes, en la azotea de un edificio. Todo está relacionado (risas), pero fruto de la casualidad.

Por cierto, en ese mismo videoclip apareces tú tocando una batería compuesta únicamente por una caja, un bombo y un platillo. Ya supongo que no te crees ni Lars Ulrich ni Matt Sorum, pero ¿en directo tocas con más equipo o con eso te sobra para tocar los temas de Muy Fellini?

En directo toco con algo más, aunque no mucho. Pero para el video me hacía gracia salir con lo básico… Lars Ulrich tuvo su época de tocar con poco más de lo que llevo yo, que es más que suficiente, pero su escenario es más grande y a mi no me cabe un doble bombo…

Algunos títulos incluidos en “La ciudad de las palmeras” son “México”, “India” y “Mis maletas”. Existe pues una clara alusión a los viajes, aunque desconozco si habéis tocado ya en esos países… ¿Me puedes comentar algo de las giras que habéis hecho por Holanda, Bélgica o Francia?

Estos últimos años han sido de viajar mucho, a algunos de esos países hemos ido, a otros no, pero no todas las letras son totalmente autobiográficas, también hay ideas que le pasan a otra gente o inventadas, etc… Viajar te hace aprender mucho y viene bien hacerlo de vez en cuando, siempre que el bolsillo y el tiempo te lo permitan. Los conciertos que hemos hecho en el extranjero han sido peculiares, cuando vas a sitios nuevos que no te conocen, nunca sabes dónde vas a parar, lo mismo es un sitio brutal donde se monta ambientazo que apareces en un sitio donde no saben ni lo que haces, pero como experiencia, han sido buenas.

Por último, me gustaría que me resolvieses una curiosidad personal. ¿Cuántas veces os han preguntado que expliquéis el significado del nombre de vuestro grupo? ¿En alguna entrevista NO os han preguntado qué significa eso de Muy Fellini?

En las preguntas del primer disco te diría que en todas, pero por suerte, en las del nuevo disco ya se centran en otro tipo de preguntas que son más interesantes. Hay que hacer buenas canciones para que lo que menos importe sea el por qué de nuestro nombre.

Muchas gracias por las respuestas y hasta la próxima. ¡Un abrazo!

¡A ti Jordi, un saludo para todos los absoluters!

El próximo domingo 4 de diciembre los grupos L’Odi Social, Draps Bruts i Pixamandúrries, grupos míticos de la escena catalana de los 90 que hace años que no tocan, se juntarán de nuevo para mostrar su apoyo a la campaña que pide la liberación de su amiga Karina Germano.

Esta presa política argentina, conocida popularmente como “la Galle”, lleva 10 años en prisión pero desde el 26 de diciembre del 2006 la retienen allí de forma injusta e ilegal porque, a pesar de que le correspondería el tercer grado penitenciario, éste le ha sido denegado por el aparato judicial heredero de la sangrienta dictadura argentina, la cual ya provocó alrededor de 30.000 víctimas en su día, una de ellas el padre de la propia Karina.

Con el objetivo de mostrar apoyo a la campaña internacional “La Galle a la calle”, en Barcelona tendrán lugar diversos actos públicos i concentraciones frente al Consulado de Argentina i el próximo 4 de diciembre se realizará un concierto que se prevé sea histórico. Junto a las bandas anteriormente mencionadas también tocarán Juanito Piquete y Cranc, acompañados de la colla de diables de Sant Andreu.

El acceso al bolo será gratuito y los beneficios que se puedan obtener de las barras y de los tenderetes serán destinados a financiar la campaña de apoyo a Karina Germano “la Galle”. Además, por cortesía del sello Kasba disponemos de un lote formado por un CD de Juanito Piquete y un recopilatorio de música contra la represión para sortear entre todos los que comenten y amplien esta noticia.

¡Queremos ver a “la Galle” en la calle! Salud y resistencia.

Este año el festival cumplía 18 ediciones y la mayoría de edad le sienta de maravilla ya que su apuesta por el cine de autor, arriesgado y totalmente alejado de lo que normalmente se encuentra en las salas de cine comerciales recibe el beneplácito del numeroso público asistente. A continuación, un breve resumen de las películas que más impacto causaron sobre mis retinas:

*La dernière année (Peter Hoffman, 2011). El último año pasado en una comuna hippie que hace la vendimia en Francia, esto es, mucho compañerismo, buen rollo y bastante trabajo en el campo. El director, Peter Hoffman, utiliza el blanco y negro y graba en 18 mm para resaltar que se trata de una tarea agrícola que pertenece básicamente al pasado y que está en peligro de extinción. A pesar de la poca gente que acudió a la proyección del lunes 14, mantuvimos una amistosa charla con el director al acabar el film. Por cierto, la obra se llevaría el premio del jurado al mejor largometraje de no ficción. ¡Enhorabuena Peter!

*Ekümenopolis: ucu olmayan sehir (Imre Azem, 2011). Estambul es una ciudad sin límites y el desarrollo urbanístico (en paralelo a la especulación, como no podía ser de otra manera) también ha tenido graves consecuencias para los habitantes y el medio ambiente. Destaca de este documental turco/alemán el buen montaje y la animación del principio del film, la cual recuerda mucho a la pieza de aquí “Españistán” (narra en apenas 5 minutos todo lo que ha pasado en Estambul en los últimos 100 años hasta llegar a la crítica situación actual).

*El lugar más pequeño (Tatiana Huezo, 2011). Naturaleza exuberante en El Salvador; el bosque y la montaña como único refugio de la gente de los pueblos ante la brutalidad de los militares amparados en la dictadura centroamericana. Los testimonios, crudísimos, aparecen a través de una voz en off. Otro punto de vista sobre la guerra civil, la dictadura y la capacidad del ser humano para mirar hacia delante a pesar de las circunstancias más tristes.

*Blue Meridian (Sofie Benoot, 2010). Este largometraje documental belga es un brutal retrato del Sur de los Estados Unidos después del paso del huracán Katrina. La directora siguió básicamente el curso del río Mississipi entrevistando a los alcaldes de los municipios de Louisiana y a sus habitantes, muchos de ellos auténticos fanáticos religiosos. No en vano las palabras más repetidas en sus respuestas son “God” (Dios) y “Jesus”. Hay episodios tan surrealistas que provocan primero estupefacción y luego sonrisa (las misas cantadas, la marching band del equipo de rugby) y también abundan lo que yo llamo “arquitecturas colapsadas” (muchos pueblos abandonados para deleite de los exploradores urbanos). Viendo Blue Meridian uno comprende por qué George Bush Jr. gobernó el país durante tantos años aunque algunos habitantes de la región no dejaban de preguntarse cómo había podido pasar eso si se supone que no estaban en el tercer mundo. En fin, así es la América profunda…

*El Premio (Paula Markovitch, 2010). Un auténtico drama asfixiante que supone una nueva mirada a la dictadura militar en Argentina. La particular relación entre una madre en estado de paranoia y su hija de siete años deviene una de las múltiples consecuencias de la situación política que se vivió en el país suramericano. En el contexto de una existencia aislada en una playa, el mayor problema llegará con una redacción de la escuela sobre el ejército. A todo esto cabría añadir una magistral interpretación de las dos protagonistas femeninas.

*Palazzo delle Aquile (Stefano Savona, Alessia Porto, Ester Sparatore, 2011). Hace un par de años estuve de turismo por Sicilia así que tenía ganas de ver este documental sobre la ocupación del ayuntamiento de Palermo por parte de 18 familias sin hogar. La reivindicación duró 30 días y pretendía la adjudicación de viviendas para todos, pero pronto surgen problemas entre los ocupantes por disputas mínimas y sorprende cómo algunos políticos locales intentan aprovecharse de la coyuntura para arañar unos cuantos votos. Después de casi dos horas de proyección (se hace un poco larga, todo hay que reconocerlo) de nuevo uno entiende cómo Berlusconi se ha mantenido tanto tiempo en el poder en Italia si a escala local ocurren episodios como éste.

*Nostalgia de la luz (Patricio Guzmán, 2010). Este año había una sección específica del festival dedicada a Patricio Guzmán y, después de ver esta película, me arrepiento de no haber podido acudir a las otras proyecciones programadas. Nostalgia de la luz empieza como si de un documental sobre astronomía se tratara pero poco después el enfoque sobre el desierto de Atacama en Chile se hace desde una perspectiva triple: la astronómica (al ser un desierto hay pocas nubes y polución nula, con lo que las estrellas son más fácilmente contemplables), la arqueológica (los pastores pre-colombinos pasaban por allí a menudo, por tanto se han encontrado esqueletos muy antiguos y pinturas rupestres sobre las rocas) y la histórica (muchos desaparecidos durante la dictadura de Pinochet están enterrados en este desierto, donde también se puede encontrar abandonado uno de los campos de concentración más grandes del país). Personalmente no tenía ni idea de todo esto, así que aprendí muchas cosas gracias a la obra de Guzmán. El film resulta dramático por los testimonios de los represaliados (algunas mujeres todavía hoy cavan a ciegas con el objetivo de encontrar los restos de sus maridos e hijos) a la par que bello por las imágenes esplendorosas del cosmos. Excelente película y ni una butaca libre en la sala del Teatre CCCB para corroborarlo.

Siempre me gusta comentar algún aspecto que se podría mejorar de cara a las futuras ediciones, con el fin de que el Festival de Cine Independiente de Barcelona L’Alternativa no pare de crecer y de cosechar éxitos. En este caso se trata de la nula flexibilidad de los organizadores a la hora de dejar acceder a las proyecciones cuando la película ya había empezado. En un festival de estas características, donde tienen lugar sesiones de una manera continua y en diversas sedes, no creo que se acabe el mundo si alguien entra con sigilo cinco o diez minutos más tarde de que aparezca el título en la pantalla. Supongo que a los directores no les importaría ya que a ellos les interesa que sus películas se vean, aunque no sean completas al 100%.

Por lo demás, todo perfecto y espero poder presenciar la edición nº19 de L’Alternativa. Por cierto, el título de esta columna es un humilde homenaje a Ràbia Positiva, por si alguien no se había percatado.

Apenas han transcurrido unos días desde que se diera por finalizada la edición de este año del Festival de Cine Fantástico de Sitges cuando ya tenemos al alcance de nuestra agenda otra de las citas imprescindibles con las butacas de las salas catalanas: el Beefeater In-edit, más conocido por ser el Festival Internacional de cine documental musical de Barcelona.

Este año (y ya van nueve), cumpliendo con una de las señas de identidad del festival, hay propuestas mil y para todos los gustos: desde la acción extrema de la Fura dels Baus a la generación ruidosa de The Who, desde la contracultura que se dio cita en la isla de Wight en 1970 (Jimi Hendrix, Leonard Cohen y The Who protagonizarán el maratón nocturno London’s backstage de este año) a The Replacements, pasando por el camaleónico David Bowie o la figura de Jaime Urrutia; no faltará tampoco el piano de Michael Nyman ni la guitarra española de Raimundo Amador. Un extenso documental sobre Queen y una mirada seria al llamado rock radical vasco son otras posibilidades donde elegir butaca.

Especial atención me merece el documental “Galicia caníbal”, que tiene pinta de ser un merecido tributo a la escena gallega a medio camino entre la movida madrileña y la recientemente recuperada historia musical de Cataluña una vez desaparecido el dictador (“Barcelona era una fiesta” y “Venid a las cloacas”, ambas proyectadas en anteriores ediciones del festival In-edit). Tampoco me perderé la película de sugerente título “Quiero tener una ferretería en Andalucía”, o de cómo Joe Strummer de The Clash se perdió un par de años por el sur de la Península Ibérica hasta que consiguió inspirarse para escribir la mítica canción “Spanish bombs”.

Las salas de proyección de los documentales musicales son las mismas que las del año pasado (Aribau multisalas). Las largas colas que se formen para entrar también serán las mismas (a ver si este año llegamos a abarcar una manzana del eixample), así que lo mejor es que te pases por la web oficial del Beefeater In-edit 2011 (http://www.in-edit.beefeater.es/webapp/main) y que decidas con tiempo cuántas pelis vas a poder visionar en Barcelona del 27 de octubre al 6 de noviembre.

Actualmente están proliferando muchas bandas por el mundo que mezclan con acierto el post-rock, el post-hardcore y el post-metal. Es decir, todos los posts posibles. Por eso, para abreviar este subgénero de géneros, a mi me gusta utilizar el término post-it (post-ello). Normalmente este tipo de bandas también han tomado una decisión importante: prescindir del cantante y de todo tipo de voces, con lo que su música es 100% instrumental.

Para que os hagáis una idea, los máximos exponentes de este sonido a nivel mundial podrían ser Russian Circles y Red Sparowes; a nivel nacional, hay que destacar sin duda a Toundra y a Hannuman, por nombrar sólo un par de grupos. A esta lista se le debe añadir desde ya un nuevo nombre, el de Exxasens.

Eleven Miles es el tercer disco de la criatura parida e ideada por Jordi Ruiz, guitarrista de Playmotive y Kyba. Este músisco y compositor catalán lleva desde abril del 2007 dándole vueltas a la cabeza a un sonido hipnótico y casi espacial que, como ya he explicado anteriormente, podría cuadrar con el concepto post-it. Por cierto, este disco se ha publicado el 11 de septiembre del 2011, coincidiendo con el décimo aniversario de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York.

El álbum empieza con unas notas de piano y poco después suenan unas guitarras que recuerdan al famoso inicio de “Where the streets have no name” de U2; a partir de ahí se va desarrollando el tema “Science will save us”. Atención al dato del piano, pues sus notas vuelven a sonar en varios cortes posteriores. Algo que no suena son voces, puesto que Exxasens es un proyecto instrumental. Bueno, esto no es del todo cierto, porque en la final “Casiopea” se pueden escuchar unas pocas proclamas extraídas de un discurso de Fidel Castro. Creo que es la única colaboración del disco…

La composición titulada “Casiopea” también cuenta con una introducción de metal progresivo, lo cual nos remite al post-metal que he comentado al principio de esta reseña. El círculo cósmico se cierra entonces gracias a unos títulos que nos llevan de viaje por el espacio interestelar: “Helios”, “Constellation”, “Eclipse”, “Nebula Seven”…

Por ponerle una pega a Eleven Miles voy a dejar apuntado que el sonido del CD me resulta un poco sintético, como si fuera artificial. Por eso creo que una producción más orgánica hubiera encajado mejor con la música de este proyecto de Barcelona. Donde no tengo ninguna duda que Exxasens suplirán este aspecto será en directo: de hecho, los rusos ya lo han podido comprobar recientemente.

Un aviso para todos aquellos que pretendan iniciarse en este noble arte de opinar sobre música: no hagáis demasiado caso a las notas de prensa. Sé que resulta tentador copiar lo que pone escrito en la hoja pero no es ético y, además, correréis el riesgo de meter la pata ya que algunos responsables de las discográficas colocan trampas para desenmascarar a los redactores que apenas se han escuchado el disco antes de escribir sobre él.

Esta parrafada viene a propósito de Incertesa, el nuevo álbum de Neuròtics. Si hiciéramos caso a la nota de prensa, pondría que esto suena a trash o metal, cuando estaríamos hablando de un rock metalizado como mucho… Y es que dudo que los fans de Metallica, Pantera, Machine Head o Mastodon acudieran a los conciertos de este trío de Albaida (y menos si acaban los bolos igual que este CD, con una balada acústica titulada “Pres”); en cambio, se harían un verdadero favor aquellos que vibran con la música de Sôber, Berri Txarrak o Inòpia si lo hicieran.

Lo que no se le puede negar de ninguna forma a Neuròtics es que han sabido evolucionar y madurar en los últimos dos años. Si en su anterior Somnis del mil·leni igual hacían una canción hard-rock y luego otra punk-rock y entremedio sonaba claramente el grunge, en Incertesa todo es más compacto: han sabido tamizar todas sus influencias para crear un sonido homogéneo y (casi) personal. He aquí el gran mérito de la banda con este disco.

Ellos ironizan sobre todo esto en uno de los títulos, “L’art de la continuïtat”. En efecto, hay continuidad pero hacia el camino adecuado. El resto de letras están escritas en primera y segunda persona, basculando entre el existencialismo (“Navegant”, “Mil històries”)  y el optimismo (“Em fas tindre fe”, “No heretarem deserts”).

Incertesa ha sido editado por Mésdemil Records y se grabó en uno de los mejores estudios de Valencia (RPM) a los mandos del afamado productor Roger García. Después de más de cuatro años en el mundo de la música, Neuròtics han logrado dar forma a su particular álbum negro.

Ante la inminente gira peninsular de los italianos Stearica para presentar su primer álbum “Oltre” (Homeopathic Records-Aloud Music, 2011), le enviamos unas cuantas preguntas a Francesco Carlucci, el encargado de tocar las guitarras, el bajo, el piano, el vibráfono y no sé cuántas cosas más en esta atrayente banda de post-rock/post-hardcore de Turín. Apuntad las fechas en la agenda porque prometen ser unas actuaciones de ésas que se graban en la memoria colectiva: 22 de Octubre en La [2] de Apolo (Barcelona), 23 de Octubre en la Sala Matisse (Valencia), 24 de Octubre en la Sala 12 & Medio (Murcia), 25 de Octubre en El Perro de la parte de atrás del Coche (Madrid), 26 de Octubre en Sevilla, 27 de Octubre en Rincon Pío Sound (Don Benito) y el 29 de Octubre en el Amplifest 2011 de Porto (Portugal).

¡Ciao Stearica! ¿Qué tal va todo? En primer lugar, me gustaría saber qué se está cociendo en Turín, ¿cómo está la escena rockera por allá? ¿Y por el resto de Italia?

¡Ciao! Gracias por las preguntas. Todo va bien y estamos felices de responder entrevistas y de poder promocionar nuestra música en España. Me disculpo por no poder responder en castellano pero prometo que lo haré en el futuro… Bien, Turín es un sitio bastante activo en lo que a música se refiere. En los 90 albergó a una fuerte escena hardcore-punk encabezada por Negazione y actualmente dispone de muchas bandas y de músicos de todos los estilos posibles. Lo que pasa es que hoy en día no se puede hablar de una escena como en el pasado, aunque las colaboraciones son plausibles y esto se puede extrapolar al resto de Italia. No creo que haya una escena cohesionada propiamente dicha pero el panorama está lleno de propuestas musicales muy interesantes.

Una cosa que me intriga de todo grupo instrumental es la razón por la cual decidís prescindir de las voces. ¿Es por que no queréis que el cantante sea el único centro de atención? ¿O tal vez por que no tenéis nada que decir en las letras?

No, nada de eso. Comprendo que, especialmente teniendo en cuenta que el rock es un estilo de música occidental, la gente esté acostumbrada a escuchar voces y letras pero históricamente no fue siempre así. Desde la música clásica al jazz, o más recientemente algunos compositores italianos como Nino Rota o Ennio Morricone, no se dice que la música “necesite” voces y nosotros realmente sentimos que no las necesitamos. En el pasado yo mismo era el cantante del grupo pero entonces pensamos que queríamos concentrarnos más en la música que tocamos, mientras que los arreglos se iban alejando cada vez más de la estructura típica de una canción pop/rock. Pero de vez en cuando metemos algunas voces, como en la última canción de “Oltre”, en la cual aparecen los textos fabulosos de Dälek gracias al sello de Mike Patton, Ipecac Recordings.

Otra pregunta muy relacionada con la anterior es ¿cómo escogéis los títulos de las canciones cuando no hay letras? Aprovecho para felicitaros por títulos como “Bolero on Botero” y “Beyond the red bells I’ve heard gold bulls”…

Muchas gracias, normalmente soy yo quien escribe los títulos de los temas y realmente ¡disfruto con ello! No tengo un método fijo pero normalmente trato de captar el espíritu de cada canción y expresarlo en unas pocas palabras. Es como concentrar en un título las letras “cantadas” por los instrumentos o a veces las palabras son como juguetes y me gusta jugar con ellas

Actualmente existen algunas bandas sin cantantes como Russian Circles o Red Sparowes que están cosechando cierto éxito a nivel mundial. No sé si has escuchado a un grupo de Madrid que se llaman Toundra porque son la bomba… ¿Crees que es el momento idóneo para las bandas instrumentales como Stearica?

Sí, conocemos a Toundra porque quisimos explorar en el catálogo de Aloud Music cuando empezamos a hablar de colaborar con el sello. Además, tuvimos la oportunidad de verlos en directo en el Primavera Sound y nos gustó mucho su puesta en escena. Respondiendo a tu pregunta, y como he comentado antes, la música instrumental es uno de los géneros más antiguos que existen pero a partir de los 70 el rock y el pop se convirtieron en los elementos principales de la industria musical. Entonces surgió la figura del cantante como frontman y desgraciadamente esta forma de concebir la música eclipsó a una gran parte de los géneros musicales existentes. Algo así como lo que pasa con cualquier tipo de industria, que se intenta neutralizar las diferencias para conseguir un estándar único. Nosotros no estamos en contra de la música popular, ni mucho menos, nos gustan muchos grupos y artistas que cantan pero desearíamos que la música instrumental volviera a ser un estándar; no sé si esto ocurrirá ahora o nunca, pero ¡seamos optimistas!

Teniendo en cuenta que Stearica se formó hace diez años y que “Oltre” es vuestro único álbum hasta la fecha, no es que seáis muy prolíficos, ¿me equivoco?

Sí, aparentemente no somos un grupo demasiado prolífico A decir verdad, es lo contrario: componemos mucha música, no te lo puedes ni imaginar, créeme… El 90% de nuestra música nace de sesiones de improvisación ya que se trata de nuestro hábitat natural, así que componemos mucho material. Posiblemente “Oltre” sería nuestro segundo o tercer disco pero decidimos no publicar nada antes porque pensamos que no era el momento oportuno o que no teníamos el material idóneo para sacarlo a la luz. Siempre nos sentíamos un poco aburridos cuando la música estaba ya completamente terminada pero esto no ocurrió con “Oltre” y creo que ha sido porque hemos seleccionado el material adecuado entre horas y horas de temas y ritmos improvisados. Entonces el estudio simplemente se convirtió en una parte más del proceso de arreglo de nuestra música. Hace tres años esto era nuevo para la forma en que Stearica hacía música, así que este álbum todavía representa un resultado mágico para la banda.

¿Podrías explicar qué representa la cabeza del caballo que aparece en vuestro videoclip de “Sky smokes clouds”?

Bien, eso se lo deberías preguntar a Marco Porsia, el director del clip. Nos conocimos en Londres después de un concierto y resultó sorprendente encontrarse con un director italiano que estaba grabando documentales en el Reino Unido pero que trabaja en Toronto desde hace 15 años. De hecho, su nombre es bastante famoso en la programación televisiva de Canadá. Marco es fan de la música post-rock (adora a Swans) y, después de nuestra actuación, nos dijo que le interesaba realmente grabar un video para nosotros. Después de unos días ya tenía una idea concreta de la historia con la cabeza del caballo y gran parte de lo que se ve en el resultado final; era como una especie de huracán y, al mismo tiempo, un pionero teniendo en cuenta que nuestro videoclip es uno de los primeros que muestran máscaras de animales y cosas así.

Revisando vuestra página de myspace he visto que tenéis de amigos a bandas como Coliseum y Negazione. ¿Guardáis algún tipo de relación o interés en la música hardcore-punk?

El hardcore vuelve a aparecer en esta conversación y es un placer hablar sobre ello. Ten por seguro que hemos escuchado hardcore-punk así que inevitablemente este tipo de música se ha impregnado en nuestro sonido. También hemos compartido escenario con bandas de este estilo como Coliseum a quienes tenemos mucho aprecio. Nuestro amigo Koppa, que dirige un sello italiano de crust llamago Agipunk, nos dijo que viendo nuestros directos pensaba que Stearica estaba entre los grupos con mayor actitud hardcore que había tenido la oportunidad de ver tocar. ¡Personalmente nos los tomamos como un cumplido!

¿Cómo llegasteis a contactar con el sello de Barcelona Aloud Music? ¿Os están tratando bien?

Conocimos a Sergio Picón en la última edición del Monkey Week, donde tocamos en dos escenarios. Vino a hablar con nosotros después del primer concierto e inmediatamente tuvimos el mismo feeling al hablar de música y todo lo que la rodea. Entonces nos volvimos a encontrar con Sergio después de la segunda actuación y nos comentó que estaba impresionado por lo que había presenciado, así que empezamos a hablar sobre una posible colaboración que afortunadamente se ha materializado. Nos sentimos honrados de trabajar con Aloud porque hemos topado con gente maravillosa y estamos convencidos que podemos seguir haciendo las cosas bien juntos. Y sí, definitivamente nos están tratando bien ya que ¡comprendieron en seguida que nos gusta la buena comida y el vino tinto! ;)

Me consta que ya habéis tocado anteriormente en Barcelona, en el festival Primavera Sound… ¿Qué tal la experiencia y la respuesta del público?

Pues fue una experiencia increíble, además de una magnífica manera de promocionar nuestra música pero sobre todo se trató de un concierto muy especial. La respuesta de la gente fue muy buena considerando que la gira de este mes se concretó gracias a ese bolo. Estamos ansiosos de presentar las canciones de “Oltre” en España y Portugal porque Aloud está realizando un trabajo increíble montando conciertos y consiguiendo repercusión mediática… Sino, ¡no habría tenido la oportunidad de responder a las interesantes preguntas de esta entrevista!

¿Cuáles son los planes futuros de Stearica?

Aparte de la gira peninsular de este mes y de que el pasado 8 de septiembre tuvimos la oportunidad de tocar la banda sonora compuesta para la famosa película alemana “El Golem” en el Museo Nacional Italiano del Cine, nos encontramos en un momento fabuloso para la banda, especialmente si tenemos en cuenta que este año debería haber supuesto una pausa para concentrarse y componer un nuevo disco. En lugar de eso, recibimos la llamada de The Wire para formar parte por segunda vez de su histórico recopilatorio y después tocamos algunos conciertos multitudinarios (el último en julio en nuestra ciudad, Turín, ante aproximadamente 15.000 personas).

Eso es todo, amigo. Muchas gracias por tus respuestas y espero veros pronto sobre un escenario de nuestro país.

GRAZIE MILLE a te!!!! Ha sido un placer responder a tus preguntas y créeme, estamos ansiosos por tocar ante vosotros. Hasta luego companero…

Justo en una semana comienza una nueva temporada de Revolta y los encargados de inaugurar el curso musical 2011/2012 serán los catalanes Ktulu el próximo jueves 29 de septiembre en la sala Apolo.

Después de un tiempo en dique seco, la edición del disco en directo Visión en la casa del caníbal ha devuelto a Ktulu a la actividad y a la actualidad de este país. Seguro que en esta noche metálica vuelven a sonar los temas más representativos de su álbum Confrontación además de “Apocalipsis 25-D”, su gran aportación a una de las bandas sonoras más brutales del cine estatal, la de El día de la bestia.

Antes que ellos, Cut the end tendrán la oportunidad de demostrar en directo lo bien que suenan las canciones de su myspace. Post metal, death y pasajes insanos paridos en Manlleu para cualquier persona con la mente abierta. Entre ambos grupos y después, como viene siendo habitual, sesión de DJs para amenizar la fiesta y para que la cuesta de septiembre tenga una pendiente menos pronunciada de cara al final de mes.

Mésdemil Records es una discográfica independiente cuya base de operaciones se encuentra en Benaguasil, Valencia. Anteriormente ya se han reseñado en este fanzine varias de sus referencias pero sirva esta columna para comentar algunos de sus lanzamientos más recientes.

En primer lugar, me imagino que la principal carga que Mugroman han tenido que soportar a lo largo de su carrera es la de no haber elegido bien el nombre. Teniendo en cuenta que “Mugró” en catalán significa “pezón” y que quizás sea ya demasiado tarde para cambiar de denominación, no se entiende que con cuatro discos a sus espaldas estos alicantinos no hayan cosechado todavía un mayor éxito y reconocimiento. Por la música no será: una mezcla más que digna entre el rock alternativo popularizado en USA (Weezer, Foo Fighters) y el rock en català (Els Pets, Brams).

Tampoco ha sido cuestión de no tener buenos contactos: en “Moltes veus” meten voces miembros de Obrint Pas, La Gossa Sorda, Orxata Sound System, Rapsodes y 121dB, en “Estic viu” también canta Pol Fuentes (vocalista de Rosa Luxemburg y hermano del que fuera líder de The Unfinished Sympathy), el disco ha sido grabado en los estudios del bajista de Lax’n Busto, etc. Además, el sonido de la dolçaina no es que sea 100% original pero enriquece el desarrollo de varias canciones.

A ver si hay suerte y con el álbum titulado Volem més Mugroman consiguen ese plus que reclaman en el título además de seguir demostrando que en Xixona se hace buen rock y no sólo deliciosos turrones.

A continuación, un primer apunte para aquellos que, como yo, iban mal en geografía en la escuela: el Montgó es una de las montañas más imponentes del País Valencià. Por eso, tiene cierta lógica que un pueblo situado a sus faldas quiera cambiar su nombre por el de Montgòlia.

Montgòlia también es el título de un libro-revista-CD editado por Mésdemil Records en colaboración con Edicions del Bullent. Libro por el formato y por la encuadernación en tapas duras. Revista porque incluye el número 10 de Moixama, el órgano de expresión escrita de la asociación cultural del mismo nombre. Este décimo número de la revista es un especial dedicado a Ovidi Twins en el que se encuentran todas las letras de sus canciones, dibujos divertidos, escritos surrealistas y varios textos populares: una cita del etnobotánico valenciano Joan Pellicer, un fragmento datado en 1580, un cuento hindú e incluso una letra en la lengua de los íberos.

Ovidi Twins practican la canción de autor en valenciano, rindiendo tributo a ambos Ovidis (el poeta clásico y el artista de Alcoi), a la riada que inundó Valencia, al socarrat de la paella y a los caramelitos de sus abuelos. Montgòlia, su segundo CD, fue grabado en el Octubre, el Centre de Cultura Contemporània que cierto gobierno autonómico quiere clausurar…

Cambiamos de tercio: a principios de abril se celebró en Valencia el Suflamer Fest, organizado por la banda Termofrigidus y con un cartel formado por seis grupos. Uno de ellos era Rapsodes, siendo ésta una de las primeras ocasiones en que presentaban su nuevo disco. La pena es que bastante gente que acudió al festival se marchó después de que tocaran las bandas de punk-rock y se perdieron la actuación de estos raperos de Benaguasil.

Y es que al rap cantado en catalán todavía le falta mucho camino por recorrer para alcanzar el reconocimiento logrado por otros estilos como el pop o el rock. Rapsodes continúan luchando por ello en OUIEA, un álbum en el que vuelven a mezclar mil estilos (rap, reggae, jungle, dance) y en el que han colaborado unos cuantos colegas: Orxata Sound System, In*Digna, Desechos, el Papado, Aspencat…

Un cóctel sonoro muy bien batido que alcanza su punto máximo de sabor en canciones como “Coses de la vida”, “Cor Pur” o el divertido reggaeton de “Calentúria”. Los cuatro Rapsodes están perfectamente compenetrados y se lo pasan muy bien en directo, aunque a menudo Mireia sobresalga del resto demostrando sus grandes dotes vocales. Guiño a Bob Marley y a Beastie Boys en “Es veu vindre” y ¡OUEIA! (pronúnciese ¡ou yeah!).

Por último, ¿os imagináis a Reincidentes cantando en catalán? ¿No? Eso es que no habéis escuchado todavía a Red Roja. Esta banda de Ontinyent (Valencia) no oculta sus influencias musicales en su segundo trabajo y ofrece diez temas de punk-rock urbano (o rural, depende de cómo se mire) amparados bajo la producción de Miquel Gironés, el dolçainer de la también banda valenciana Obrint Pas.

Em rebenta el cap contiene así una decena de canciones trabajadas y muy efectivas, especialmente esos medios tiempos cantados casi a coro (“Prop de la lluna”, “Poder”), pero muestra a un grupo que todavía debería marcar su propio camino musical (lingüísticamente ya lo han hecho al decidirse por cantar en la lengua de su tierra).

Por cierto, “Poder” es la versión en catalán de la canción de Maniatica (otro claro referente de Red Roja) y el tema que cierra el disco, “Ka l’Agüela”, también es una adaptación que deberéis descubrir por vuestros propios medios, aunque sea sólo por curiosidad melómana. Por su lado, los textos de Red Roja son muy directos y resultan de fácil comprensión, mientras que el sello MésdeMil continúa centrado a día de hoy en su loable tarea de dar a conocer a aquellos grupos valencianos que surgen lejos de la capital del Turia.